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"ANTES DE LA PELÍCULA EVITABA LOS TEMAS DE GILDA"

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Jordan Otero es hijo del tumbador Raúl Larrosa, uno de los músicos que falleció junto a la vocalista en 1996. Y fue convocado para actuar en la película No me arrepiento de este amor, en el papel de su padre. Una experiencia que le sirvió para sanar heridas. "Lo pude enfrentar en los días de rodaje", expresó.

#GildaLaPelícula



Sucede que, cuando murió su papá, Jordan tenía solo un año. Y se crió con su mamá, María, quien ocupó ambos roles en el hogar.

El joven, hijo de peruanos, se alejó de todos los símbolos que lo relacionaban con su padre, como la música tropical. Una respuesta al dolor que causaba la ausencia.

"Mi vieja siempre me quiso inculcar la salsa y la cumbia. Pero como era chico y no tenía a mi viejo, trataba de esquivarlo. Entonces me volqué para el otro lado", reflexionó.

Jordan se inclinó hacia otros géneros musicales. Y aprendió a tocar la viola.

"Escuchaba bandas de rock pesado, como AC/DC o Led Zeppelin. Y un amigo empezó a tomar clases de guitarra. Yo quise animarme y me mandé. Desde la primera clase que no la solté más", recordó.


Jordan Otero aprendió a tocar la viola para no relacionarse con la salsa ni la cumbia, los ritmos que escuchaba su padre, el músico Raúl Larrosa. "Me volqué para le otro lado", expresó.


El hecho de haber aprendido a tocar un instrumento fue la excusa perfecta para Lorena Muñoz, directora de No me arrepiento de este amor, quien lo convocó a participar. La idea era que se desempeñara como músico de la banda de Gilda, en el papel de su padre, Raúl.

"Cuando me ofrecieron actuar de mi viejo, mi mamá me decía: "Hacelo o te vas a arrepentir por el resto de tu vida". La veía con entusiasmo y me puse a pensar. Al final tenía razón", declaró Jordan.


En el Día del Padre, Jordan Otero publicó esta imagen en homenaje a su papá, el músico Raúl Larrosa. Una comparación que muestra su caracterización para la película No me arrepiento de este amor.


Lo revelador fue que lo vistieron con los bigotes y el mismo sombrero que lo identificaban a su papá. Lo que significó un hecho trascendental.

"Antes de la película yo evitaba las canciones de Gilda. Mis amigos cantaban y yo trataba de cambiar de tema. Cada vez que me preguntaban, no decía mucho. Esto lo pude enfrentar recién en los días de rodaje", confesó.

La película resultó de vital importancia para el joven, quien afirmó su identidad.

"Hubo una escena que me emocionó bastante. Me quebré y me puse a llorar. Ahí caí de quien soy y de lo que estaba haciendo. No hacía el papel de un músico, sino de mi viejo. Ahora veo videos buscándolo. Y con orgullo, no con tristeza", reveló.


En un alto en el rodaje, Jordan Otero, en el papel de su padre, Raúl Larrosa, posó con la bandera de Cumbia de la Pura junto a la actriz, Natalia Oreiro, personificada como Gilda.


Actualmente, Jordan navega en las redes sociales en busca de imágenes donde actúa su padre.

"En los videos se ve que mi viejo tiene mucha carisma a la hora de tocar. Está muy sonriente. Me hubiese gustado criarme con alguien así. Y que pudiera transmitirme esa alegría", descubrió.

Incluso, manifestó que, además de tocar la guitarra, le hubiese interesado tocar el mismo instrumento de su progenitor.  

"Me hubiese gustado tocar las tumbadoras. A veces me pongo a pensar, porqué no lo tengo a mi viejo para que me enseñe", explicó.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 13 de agosto de 2016.

"TUVE UNA GRAN RESPONSABILIDAD AL INTERPRETAR A GILDA"

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La actriz Natalia Oreiro, quien hizo de la vocalista en la película No me arrepiento de este amor, reveló su compromiso al momento de ejercer el personaje. "Es mi ídola de la adolescencia, que sigue acompañándome en la actualidad y tuve el placer de interpretar", explicó, en conversación con Cumbia de la Pura.

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A pocos días de haberse realizado la Avant Premiere, Oreiro conversó en el aire de Cumbia de la Puracon Lucho Rombolá, conductor del programa, con quien compartió un momento en la película. Allí fue entrevistada en una emisora comunitaria. 

"La escena de la radio es una de mis favoritas. Creo que capta muy bien el espíritu de Gilda. Fue un placer haber trabajado con vos", expresó la actriz.


Natalia Oreiro fue entrevistada por Lucho Rombolá, conductor de Cumbia de la Pura, en la ficción y en la vida real. Aquí un momento de la escena en la que actuaron juntos.


Y fue indagada sobre su relación con la cumbia.

"La música tropical es algo que realmente me gusta. Y encontré en Gilda a mi ídola de la adolescencia, que sigue acompañándome en la actualidad y tuve el placer de interpretar", consideró.

Oreiro recordó el momento en que se inició con sus canciones

"La primera vez que la escuché fue en Buenos Aires; creo que fue Pasito a pasito. A partir de que nos dejó, se hizo más masiva. Sobretodo en Capital", opinó.

Y valoró las características de Gilda como cantante.

"Tenía una personalidad muy especial. Era muy dulce. Su forma de interpretar era distinta; componía sus propias canciones. Eso hacía que me llamara la atención. Me sentía identificada con lo que contaba", recordó.

En otro aspecto, memoró su primera intervención junto a la vocalista en la ficción. Se refirió a la telenovela Muñeca Brava, donde realizó el personaje de La Cholito, en 1998.

"Mi personaje iba de noche a la bailanta. Y como era fan de Gilda, dormía con una remera de ella, que había sido propuesta por mí. Empecé a cantar sus canciones, pero haciendo playback. Y un día nos invitaron al carnaval de Gualeguaychú. Yo dije que iba con la condición de que, en la ruta, paremos en el Santuario. De hecho, filmamos ahí. Y yo me emocioné muchísimo", confesó.


Jordan Otero, Danny De La Cruz, Edwin Manrique, Natalia Oreiro, Sebastián Mendoza, Cristian Bonano y Javier Drolas formaron la banda de Gilda que posó con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa de película.


Por otra parte, Oreiro contó de su relación con Fabricio Cagnín, hijo de la cantante, quien cedió sus derechos para que pudiera realizarse el film. Pero además, cultivó un vínculo con la actriz y con la directora Lorena Muñoz. 

"Tuve una gran responsabilidad al interpretar a Gilda. Pero mi compromiso mayor es con él, porque confió, tanto en Lorena como en mí, de que queríamos contar la historia de su mamá, lo más verdaderamente posible. Y entendió el amor y el respeto que tuvimos hacia ella. Pero en ningún momento nos pidió algún tipo de cuidado especial. Por suerte, vio la película seis veces de forma privada y está muy contento y emocionado. Incluso, su mujer vino a la Avant Premiere y no tuvo más que palabras bonitas hacia la película", contó.


Natalia Oreiro es Gilda en la ficción. "Quise captar su esencia, luz y mirada", contó la actriz.


Oreiro no tuvo reparos al momento de hacer un análisis sobre su papel en el film.

"Para mí era muy difícil el personaje. Se trata de alguien que la gente recuerda mucho y tiene muy presente. Quise captar su esencia, luz y mirada. Independientemente de lo que podía parecerme físicamante, porque contaba con un gran equipo de producción que me iba a maquillar, cortar el pelo, hacer la ropa y hasta iluminarme perfecto. También hubo un entrenamiento personal para que mi cuerpo se adaptara a su fisonomía. Pero lo que más me importaba era captar su espíritu y melancolía", sentenció.

Y reconoció que todavía no puede calificar su actuación.

"Siempre tengo una mirada muy exigente sobre el trabajo que hago. Pero en este caso particular, fui parte de todo el proceso. No vi la película por primera vez en la Avant Premiere, venía acompañando todo el trabajo. Creo que van a pasar muchos meses para que pueda tomar distancia y decirme: "OK, lo hiciste bien". Aun busco en la mirada del otro cierta aprobación".


La tapa del disco lanzado por Sony, con la banda de sonido original de la película No me arrepiento de este amor. Un trabajo donde Natalia Oreiro puso su voz a todas las canciones.


En otro orden, anunció el lanzamiento del álbum con la música oficial de No me arrepiento de este amor. Un disco que cuenta con su voz y fue editado por Sony. 

"Ya está en todas las disquerías del país y en forma digital. Son las canciones que están en la película. Además, hay tres que son un homenaje, con un sonido más actual. Una versión de Corazón Valiente hecha con El Negro Rada, en candombe y cumbia. También una fusión con música disco, de No me arrepiento de este amor. Y la otra es una interpretación de Solo Dios sabe, de The Beach Boys, que en la película está interpretada por Ángela Torres, pero en el final, sobre los títulos, está cantada por mí", adelantó.


Natalia Oreiro es la actriz que interpretó a Gilda, la vocalista tropical que se transformó en un mito. Por eso, junto al conductor Lucho Rombolá, posó con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa místico.


Por último, se refirió a la posibilidad de que su marca de ropa, Las Oreiro, lance un modelo inspirado en la vocalista tropical.

"Probablemente suceda una Gildamanía. Sería divino que las chicas salgan con flores en la cabeza y vuelvan a estar de moda esas súper minifaldas. No sé si desde mi local, pero será homenajeada muy probablemente. A mí, por ejemplo, no me gusta usar minifalda porque no me gustan mis piernas. Es difícil de usar. Pero es una moda muy linda", opinó.

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La entrevista fue realizada en la tarde del sábado 10 de septiembre de 2016.

"LA PELÍCULA SIRVIÓ PARA VOLVER A UNIRNOS"

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El trompetista peruano, Danny De La Cruz, es un histórico músico de Gilda, que actuó de sí mismo en el film No me arrepiento de este amor. Y confesó que la experiencia le ayudó a reencontrarse con sus ex compañeros de la banda. "Estoy muy contento de volver a trabajar con Edwin y Manuel", expresó, en conversación con Cumbia de la Pura.

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Se refiere a sus compatriotas: el bongosero Edwin Manrique y el timbaletero Manuel Vázquez. Los tres músicos formaron parte del conjunto hasta el fatal accidente ocurrido el 7 de septiembre de 1996. Y luego de la tragedia, dejaron de frecuentarse

"Nos veíamos muy poco. Estoy muy contento de volver a trabajar con ellos. Fueron momentos fuertes. Me venían a la cabeza muchas anécdotas con los chicos. Nosotros vivíamos bromeando. La película sirvió para volver a unirnos", contó.

En efecto, el reencuentro generó un nuevo proyecto tropical. Una sociedad musical que Manrique se encargó de anunciar en entrevista con Cumbia de la Pura. "Con Danny decidimos preparar algo. Estamos buscando el estilo y la forma", había detallado el percusionista.


En un alto en el rodaje, Danny De La Cruz posó con los músicos Manuel Vásquez y Edwin Manrique. Pero también con Ricardo González, ex encargado de seguridad, y con Jordan Otero, hijo de Raúl Larrosa. "La película sirvió para volver a unirnos", expresó el trompetista.


No obstante, De La Cruz ya se encuentra incluido en un conjunto. El músico forma parte del staff de Damas Gratis, donde trabaja todos los fines de semana junto a Pablo Lescano, quien celebró la convocatoria de su trompetista.

"Mis compañeros estaban contentos; me felicitaban todos. Y me cargaban también. Me decían Arnaldo André", expuso, entre risas.  


En el film No me arrepiento de este amor, el músico Danny De La Cruz actuó de sí mismo. "Me decían Arnaldo André", bromeó.


En un principio, Danny había sido convocado solo para la grabación de un disco, que incluiría la banda de sonido original de la película. Pero al conocerlo, la directora Lorena Muñoz lo invitó a actuar.

"Fue una sorpresa; me causó mucha alegría. No esperaba semejante papel. Me emocionó mucho. No lo puedo creer", manifestó.

Durante el rodaje, se relacionó también con Jordan Otero, hijo del fallecido músico Raúl Larrosa. El joven actuó en el film, en el papel de su padre. Un movimiento que sorprendió a De La Cruz.

"Con Raúl éramos muy amigos. Iba a su casa; compartimos almuerzos y cumpleaños. Hace 20 años que no lo veía a Jordan. Ahora está hecho un hombre. Me chocó bastante cuando fuimos a una sesión de fotos y lo lookearon con una peluca, gorrito y bigotes. Era igual a su papá", comparó.


Danny De La Cruz se relacionó, en el largometraje, con Jordan Otero, hijo de su fallecido amigo Raúl Larrosa. "Está hecho un hombre", consideró el músico.


Pero lo que más asombró al trompetista, fue la caracterización que la actriz Natalia Oreiro hizo sobre la vocalista.

"La vestimenta, el modo de bailar, los gestos que hacía con las manos, con su cara, su forma de hablar. La verdad que cuando cantaba, me miraba y sonreía, era como que la veía a Gilda. No la veía a Natalia. Fue muy buena la interpretación", reconoció.


Para Danny De La Cruz, la interpretación de Natalia Oreiro fue fiel a la vocalista original. "Era como que la veía a Gilda", declaró.


En otro aspecto, Danny recordó la buena relación que tuvo con la cantante. Y el clima laboral festivo que se vivía en la banda, a tono con las declaraciones del bajista Marcelo Inamorato.

"Gilda siempre estaba cuidándonos. Y bromeaba también. Toti era más serio, pero igual lo cargábamos. No se salvaba nadie con nosotros", festejó el músico.

Y reveló que la vocalista no estaba exenta a los chistes del conjunto.

"La cargábamos con la afinación. Le decíamos que desafinaba. Y nos miraba con los ojos bien abiertos. Nosotros nos reíamos", enfatizó.

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La entrevista fue realizada en vivo en el programa del sábado 20 de agosto de 2016.

UNA DUQUESA MULTIFACÉTICA

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Laura "La Duquesa" Gliemmo es una artista tropical que encara su carrera de manera independiente. Pero además, escribe poesía y escribe canciones de protesta. "No veo el impedimento para que me guste la cumbia y también pueda aprender", expresó, de visita en el aire de Cumbia de la Pura.




Gliemmo nació en el partido de Morón, pero se crió en Moreno. Y vivió en Estación Achupallas, provincia de Buenos Aires, un lugar al que definió como "su lugar en el mundo".

Su infancia la inspiró para volcarse a la lírica. Un género que despertó su vocación artística.

"Desde muy chiquita que escribo. Tengo un audio libro que se llama de Puño y letra. Pertenezco a una línea literaria que se llama Poesía Maldita. El ícono es el poeta francés Charles Baudelaire", detalló.

Su obra adquirió ritmo. Y Laura transformó en cumbias a muchas de sus poesías.   

"Hace algunos años tomé la decisión de musicalizarlas. No sabía que tenía ese potencial. Dentro del delirio, tengo mucha conducta. La práctica me hizo dominar la técnica. Toda mi obra, que no es Poesía Maldita, va a parar al material tropical", describió.

De esta manera, La Duquesa mezcló sus pasiones: la cumbia y la literatura. Dos géneros que, a veces, se consideran opuestos. Algo que no coincide con el pensamiento de Gliemmo. 

"Está subestimada la imagen del cumbiero y sobreestimada la del lector", opinó.

Y ahondó en su valoración.

"Hay un prejuicio sobre la gente de la movida tropical. Durante años, se han ingeniado para dejarnos en un lugar que no es tal. No hay que subestimar al público. No veo el impedimento para que me guste la cumbia y también pueda aprender", sostuvo.


Laura Gliemmo, más conocida como La Duquesa, visitó el aire de Cumbia de la Pura y defendió a los amantes de la música tropical. "Está subestimada la imagen del cumbiero", opinó.


La vocalista se maneja de manera independiente, sin manager, representante ni una productora que financie su carrera. 

"El esfuerzo es triple o cuádruple. Pero la satisfacción es plena e inamovible. Lo poco que tengo me lo gané. Tengo resto para defenderme moralmente e ideológicamente. Más allá de que vivo en una zozobra económica", sentenció.

Gliemmo había trascendido en los medios en 2013, luego de un problema con Alcides Berardo. Fue cuando grabó una cámara oculta donde mostraba cómo el cantante la insultaba. Laura se desempeñaba como voz de relevo y bailarina. Y el problema la llevó a ser entrevistada en algunos programas de chimentos.

"Es lamentable que solo cuando hay un conflicto te lleven a la televisión. Después de eso, intenté varias veces más que se difunda mi material. Y nunca me prestaron atención. Me cansé de intentar; entendí que solo me iban a difundir cuando me pasara algo malo o bizarro", manifestó.




Su estilo musical comenzó con un acordeón santafesino. Y sus letras se relacionaban con el amor. Pero luego derivó en un sonido de cumbia villera. Y un contenido más pícaro.

"Quedó la básico en instrumentación villera. Pero la letra tiene otra línea literaria. Me siento más cómoda", confesó.

Así Gliemmo grabó una de sus últimas canciones, titulada Cheto aguantá. Una composición registrada junto a Christian "Jason" Botticelli, un skater que se hizo famoso en las redes sociales al grito de "Aguantá".

"En un momento me dije que quería grabar algo con él. Inclusive, Jay va ofrecido en mis shows. La gente se re engancha. Es un buen chico", consideró.


Laura La Duquesa compuso varias cumbias identificadas con la lucha de la izquierda. Aquí se la ve en medio de un show, en un festival organizado por el Partido Obrero. Facebook.


La vocalista se destaca, además, por sus temas políticos identificados con la izquierda. Entre ellos, La cumbia del voto en blanco, una canción compuesta para las últimas elecciones presidenciales.

"Sabía que iba a pasar lo que está pasando. No queremos ajustes, despidos ni muertos. Scioli y Macri eran lo mismo. Nadie salía a decirlo", advirtió.  

Otra de sus canciones combativas es World Color no cierra, "una gráfica de Pilar bajo control obrero", aclaró la artista.

Y también Todos somos Cresta Roja, dedicada a la lucha de los trabajadores de la empresa avícola. "Con 5 mil despidos desde octubre del año pasado", según expuso Gliemmo.


Laura "La Duquesa" Gliemmo es una artista con resto para defenderse moralmente e ideológicamente, según se definió. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa repleto de valores.


La Duquesa se siente libre en su rol de cantante combativa. Por eso planea un nuevo material, cargado de polémica.

"Este año voy a sacar otro disco que se llama Hay para todos. Le pego a los monopolios, a los yankees, a quines prejuzgan al público tropical, a los aprovechadores, las mujeres envidiosas y los hombres machistas", puntualizó.

Escuchá la nota completa acá:



La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 9 de abril de 2016.

"ME MANTUVE SIEMPRE POR LA ÉTICA"

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Carlos Márquez, vocalista de Los Forasteros, afirmó que nunca abandonó la agrupación por una cuestión de códigos. "Siempre me han inculcado el respeto y el agradecimiento", expresó, en conversación con Cumbia de la Pura.





Su historia musical comenzó en 1996, en la zona sur del conurbano bonaerense. Márquez se desempeñaba como cantante de un conjunto de la localidad de Glew.

"Le habíamos puesto Los Luceros Colombianos. Queríamos hacer una cumbia con la onda del Cuarteto Imperial o Los Wawancó", recordó.

Hasta que se acercó el productor Carlos "Taru" Sosa, en la búsqueda de un vocalista para un nuevo proyecto tropical.

"En la banda había un amigo de él. Estaba buscando un cantante. Tuve la suerte de que confió en mí", valoró Márquez.

Sosa se había acercado con el respaldo de la discográfica Magenta. Su intención era formar un grupo idéntico a Los Charros

"Ellos estaban buscando a alguien que imite a Daniel Cardozo. Pero no me llamó la atención, no me gustó. Yo no iba a imitar a nadie", declaró el vocalista.

Pese a la negativa, Márquez fue seleccionado. Y se transformó en el líder de Los Forasteros, la agrupación que aun representa.

"Pasaron 20 años. Hemos vivido cosas impresionantes. Hemos recorrido el país", describió.

Y explicó los motivos por los que nunca abandonó el grupo y se lanzó como solista.

"Me mantuve siempre con Forasteros por la ética y los códigos. Siempre me han inculcado el respeto y el agradecimiento. El Taru es como mi hermano: fue el que me descubrió, me lanzó y me dio la oportunidad. Me sentiría muy mal si le suelto la mano. Iría en contra de mis principios", puntualizó.


Los Forasteros editaron su primer disco en 1996, titulado Eres, a través de la discográfica Magenta. Abajo, al medio de la portada, se lo ve a un joven Carlos Márquez. "Tuve la suerte de que confiaron en mí", declaró.


El éxito de Los Forasteros se expandió por diferentes regiones de la Argentina. Pero su terreno más fértil es la zona del Litoral.

"Pienso que la música nuestra es muy querida en Formosa, Chaco, Corrientes, Misiones, Entre Ríos y parte del noreste de Santa Fe. La gente nos sigue aceptando", manifestó.

Márquez nació en Lanús Oeste y se crió en Villa Fiorito, en la provincia de Buenos Aires. Sin embargo, su vinculación con el Litoral es tan firme, que hace un tiempo, se mudó a Misiones. Se instaló en el municipio de Candelaria, a solo 27 kilómetros de la ciudad de Posadas.

"Hace 6 años que estoy viviendo allá con mi señora. Estoy muy contento con la gente, los amigos que he entablado, familias muy buenas. Es tanto el cariño que se me hace imposible irme", consideró.


Una postal de Los Forasteros, versión 2016. La agrupación cumple 20 años y se mueve con fuerza en el Litoral argentino.


Incluso, el vocalista se involucró con algunas agrupaciones locales de música tropical. Se convirtió en el padrino artístico del grupo Cumbia Norteña. Y también de Los de 100pre, con quienes grabó la canción Palabras del alma.

"Me gusta darle la oportunidad a todos aquellos que no pudieron alcanzar su meta. Hay chicos que no tienen la oportunidad de grabar o conocer un estudio. Siempre me arrimo a todos aquellos que me precisan. Me gustaría que puedan alcanzar lo que un día busqué", deseó.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 16 de abril de 2016.

"TUVE EL PRIVILEGIO DE VER A GILDA EN VIVO"

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Sebastián Mendoza recordó que, en su adolescencia, fue testigo de un show de la vocalista. "Me crié escuchando cumbia tradicional", expresó, en conversación con Cumbia de la Pura, donde habló, además, de su actuación en la película No me arrepiento de este amor.

#GildaLaPelícula



El cantante evocó el momento en que asistió como espectador.

"Un día descubrí la música de Gilda. Era una voz única, con música bien tocada, lo cual era raro en una banda de una mujer. Me llamó tanto la atención que fui a verla a Galáctica Bailable, en la rotonda de Llavallol. Esa noche tuve el privilegio de verla en vivo", memoró.

Y se enfocó en el plano musical, que tanto lo entusiasmó.

"Hasta el momento no se ha podido comparar esa música con base peruana. Tenía el estilo de Karicia, pero con trompetas que te partían la cabeza. Y una base súper sólida de percusión y bajo", detalló.  


El vocalista Sebastán Mendoza trabajó como actor en la película Gilda, No me arrepiento de este amor. Su papel fue el del bajista Gustavo Babini, el músico que falleció en el accidente de 1996.


En otro aspecto, Mendoza se refirió a su trabajo en la película No me arrepiento de este amor. El músico actuó en el papel de Gustavo Babini, el bajista que falleció junto a Gilda en 1996.

"Fui por la anécdota. Y me encontré con un mundo nuevo; con gente que me trató súper bien. Fue una experiencia renovadora. Nunca esperé estar dentro de una película", confesó.

El cantante formó parte de la banda estable de Gilda junto a Cristian "El Mosky" Bonano, baterista de su propia agrupación. Ambos quedaron tan conformes con la experiencia del film, que cancelaron una gira para estar en la fiesta que se realizó cuando finalizó el rodaje.

"Fue tal el disfrute, que quisimos ser parte del festejo. Tuve la suerte de ser parte de la organización de la joda. Tocamos en vivo e hicimos una juntada, entre mis músicos y los de Gilda que participaron en la película. Salió un show de la puta madre, donde cantó Nati", explicó Mendoza, en referencia a la actriz Natalia Oreiro.


Junto a su compañero, el baterista Cristian "Mosky" Bonano, el vocalista Sebastián Mendoza se relacionó con la actriz Natalia Oreiro. Pero también con los músicos de Gilda que sobrevivieron al fatal accidente.


Durante la filmación, el vocalista se relacionó con los músicos Danny De La Cruz, Edwin Manrique y Manuel Vásquez. Los intérpretes, sobrevivientes al fatídico accidente ocurrido hace 20 años, relataron cómo fue el siniestro.

"Lo que más me impactó fueron las charlas que tuvimos, los detalles que contaron. Y no se pudieron escapar de hacer hincapié en lo que pasó el día del accidente. Nos hicieron sentir identificados, porque nosotros vivimos al palo, corriendo el riesgo en la ruta, yendo a los bailes a las corridas. Era inevitable sentirse en el lugar. Nunca me esperé vivirlo en primera persona", reveló.  

La crónica de la tragedia impactó mucho a Sebastián Mendoza. Y lo hizo reflexionar.

"En Buenos Aires, los dueños de los boliches nos quieren meter en el mejor horario. Entonces, te ves obligado a cumplir con todos, yendo a las chapas. Pero si nos pasa algo, los que vamos a salir por Crónica TV vamos a ser nosotros", graficó el artista.

Esta situación generó que el vocalista tomara una decisión.

"Soy padre, tengo dos hijos. Y no quiero que se despierten con ninguna sorpresa trágica en la madrugada. Está la ambición de tu representante y la personal. Pero hay que entender que esto es un riesgo. Antes hacíamos 14 presentaciones por sábado. Hasta que las dividí en dos o tres", sentenció.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 27 de agosto de 2016.

"HAGO PELÍCULAS PARA INVESTIGAR"

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Lorena Muñoz, directora de la película No me arrepiento de este amor, explicó los motivos por los que indagó sobre la vida de Gilda, al momento de planificar su obra. "Hay que tener la responsabilidad de saber de lo que se está hablando", expresó, en conversación con Cumbia de la Pura.

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Ocurre que Muñoz es una cineasta que se dedicó al género documental. Y que se destacó en las películas Yo no sé qué me han hecho tus ojos (2003) y Los próximos pasados (2006), entre otras.

Gilda, No me arrepiento de este amor (2016) es su primera obra ficticia. Sin embargo, al crearla, decidió explorar como en sus anteriores films.

"Me parece que para cualquier trabajo serio hay que investigar. No importa si es un documental o una ficción; una serie o una novela. Hay que tener la responsabilidad de saber de lo que se está hablando", sentenció.

Y reveló que esa búsqueda se sostiene en un impulso propio.

"Yo hago películas para investigar. Todos mis proyectos empiezan porque me siento atraída por algo y me genera mucho misterio. Me obsesiono con esas historias", contó.


Un alto en el rodaje de la película Gilda, No me arrepiento de este amor. La directora Lorena Muñoz siguió muy de cerca el papel de la vocalista, interpretado por Natalia Oreiro.


A Muñoz le cuesta precisar el momento en que oyó a Gilda por primera vez.

"No recuerdo haberla escuchado mientras vivía. Lo que sí recuerdo es que me encontré cantando sus temas. Y me detuve a pensarlos. Me parecieron maravillosos; tenían una profundidad sorprendente. Y a partir de ese momento, surgió un amor que ahora se está concretando", manifestó.

Ese cariño se tradujo en la confección de un largometraje que incluye distintos relatos.

"Al contar la historia de Gilda, cuento la historia de un montón de mujeres. Pero también de la cumbia y la Argentina en la década del ´90", deslizó.

Muñoz decidió acentuar la construcción de género de la vocalista, en paralelo a su enfoque artístico. Y resaltar el desamor por encima de cualquier romance. Esto corresponde a una elección en su estilo de hacer cine.

"Me gusta bastante el melodrama. Es un poco tortuoso, pero me parece seductor e interesante el amor no correspondido. Tiene que ver con el amor primitivo en el hombre. Es un género en el que me siento cómoda", aceptó.

La biopic giró alrededor de la historia original. Pero al tratarse de una ficción, contó con grandes dosis de fantasía.

"Nosotros tomamos un montón de cosas de los personajes. Y otras las inventamos o las modificamos, para que fuera lo más cinematográfico posible. Esta no es una película que busca la verdad, si es que alguien la tiene. Porque había muchas versiones; esto es lo que pasa con las leyendas. Nosotros optamos por una, que es la que nos pareció más interesante", destacó.

Y puso como ejemplo a los protagonistas de la historia.

"Tanto Gilda, Toti, Raúl o El Tigre son personajes inventados, basados en la historia real. Eso es importante remarcarlo", aclaró.


Lorena Muñoz posó para el making off de la película No me arrepiento de este amor con una taza con la imagen de Gilda, durante una jornada de rodaje en Mburucujá Club de Constitución.  


Para la directora, Gilda tenía un talento que excedía a la música tropical.

"Creo que hubiese sido una estrella en lo que se hubiese propuesto. Le tocó surgir a través de la cumbia, pero podría haber sido una excelente actriz. Tenía una estrella y un espíritu muy determinante. Pocas veces se ve a una mujer que es autora de letra y música. Era distinta", calificó.

Esa diferencia se marcaba en los espectáculos, donde Gilda se manifestaba como "una pastora del amor", según la definió Muñoz.

"Era una predicadora que dejaba un mensaje, toda una enseñanza. Ella armaba un show que era maravilloso. Es muy claro por qué la gente la amaba y respetaba tanto. Entregaba el alma y cada uno se sentía especial al verla", describió.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 3 de septiembre de 2016.

"LA MARCA ESTÁ A MI NOMBRE EN ARGENTINA"

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Jorge Rodríguez Grández, líder y fundador de Los Mirlos del Perú, aseguró que el título del conjunto se encuentra en su poder. Fue en referencia a los ex músicos de su banda, quienes se radicaron en Argentina y trabajaron con la misma denominación.




Ocurre que a fines de los ´80, el conjunto realizó una gira en nuestro país. Y luego del éxito obtenido en cada show, varios de los músicos decidieron instalarse. Pero a Rodríguez Grández la idea no lo convenció. Y regresó al Perú con la mitad de su banda.

En consecuencia, en 1992,los migrantes e intérpretes registraron Los Mirlos del Perú en el Instituto Nacional de la Propiedad Industrial. Entre ellos, el violero Gilberto Reátegui y el vocalista Raúl Pastor.

Una acción que el fundador de la banda negó enfáticamente.

"La marca nunca la tuvieron ellos, siempre la he protegido yo. Está a mi nombre; en Argentina también. Ellos la han utilizado para trabajar un poco. Hicieron algunas cosas por acá", declaró.

En efecto, el músico, en 1996, también acudió al organismo estatal e inscribió Los Mirlos de Jorge Rodríguez Grández como marca mixta. Un título que renovó en 2009, con una vigencia de 10 años.

De esta manera, en la actualidad, el artista es el único dueño del nombre original.


Jorge Rodríguez Grández, líder de Los Mirlos del Perú, responde las preguntas de Lucho Rombolá, conductor de Cumbia de la Pura, durante una entrevista realizada en la ciudad de La Plata.


En otro aspecto, Rodríguez Grández recordó su primer contacto con nuestro país. Una relación que empezó a través de los acuerdos comerciales de la discográfica que lo representaba. 

"En 1978, Los Mirlos comenzaron a meterse en Microfón Argentina, que en ese momento estaba haciendo películas. Es así como se produce nuestra llegada a Buenos Aires. Vinimos a participar de Las vacaciones del amor, donde actuaban Graciela Alfano y Jorge Martínez. También Camilo Sesto, Ángela Carrasco y Las Trillizas de Oro. Todo un evento musical", describió.

Y memoró su vínculo con la región del Norte Argentino, el cual se desarrolló a partir de la década del ´80.

"Viajábamos mucho a San Salvador de Jujuy, Orán y Tartagal", evocó.


Los Mirlos del Perú defendieron las raíces de la cultura amazónica durante un show en la ciudad de La Plata. Por eso, en los camarines, posaron con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa autóctono.


El músico fue entrevistado por Cumbia de la Pura en la previa a un show que Los Mirlos dieron en la ciudad de La Plata, junto a La Delio Valdez

El conjunto no fue contratado por la comunidad peruana ni el público identificado con la bailanta. Sino por el circuito tropical formado por jóvenes que provienen de otros géneros musicales. El espectáculo se produjo dentro de una gira que incluyó escenarios de Buenos Aires y Montevideo.

Este recambio generacional provocó una reflexión.

"Los chicos que les gusta el rock se identifican con esta música, les encanta. Me dicen: "Don Jorge, mi papá me comentaba de Los Mirlos. Ahora he venido y me llevo una foto para mostrarle", contó el artista.  




Su conjunto fue fundado en la década del ´60 en la ciudad de Moyobamba, departamento de San Martín, en medio del Amazonas del Perú. Esta relación con la flora y fauna autóctona provocó la inspiración para muchas de sus canciones. Y el llamado de atención para los fanáticos que viven en la urbe. 

"En las capitales no conocen la selva. Y nos tienen a nosotros como referentes de la Amazonía. La mayoría de nuestros temas están relacionados a nuestras raíces culturales. Estamos hablando de Lamento en la selva, Fiesta en la selva, Ruge la selva, La danza del petrolero, Muchachita del Oriente, Señor curandero. Son clásicos", puntualizó.

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La entrevista fue realizada en la noche del jueves 14 de abril de 2016 y emitida al aire en la tarde del sábado 23 del mismo mes y año.

"MÉXICO DEJÓ DE SER INOCENTE"

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Javier Torres, líder de Los Rehenes, se refirió a los cambios políticos y sociales que marcaron su país. Y apuntó a la responsabilidad de los ciudadanos. "Los más de cien millones de mexicanos somos culpables", consideró el artista, en conversación con Cumbia de la Pura.




"Muchos se quedaron en un México inocente. Ya no siento que sea tan nuestro como era. Pero me incluyo: soy cómplice de que haya dejado de serlo. Los más de cien millones de mexicanos somos culpables", opinó.

"La frase que escucho en los lamentos es: "Aquel México era nuestro, más bello, más tranquilo". Eran nuestras calles, pueblos y ciudades. Yo me pregunto de quién son ahora. Pero también qué dejamos de hacer para que ya no lo sean. Salíamos a cualquier hora del día y la noche. Y ahora ya no", expresó. 


Javier Torres, vocalista de Los Rehenes de México, responde las preguntas de Lucho Rombolá, conductor de Cumbia de la Pura, durante una gira por Buenos Aires.


Torres lamentó la inseguridad y los temores que se viven en su país. Pero también clamó por la pérdida de símbolos y valores.

"No hay héroes. No hay Villa, no hay Zapata, no hay Carranza. Y ya tampoco está El Chapulín Colorado", bromeó, en referencia a los principales protagonistas de la Revolución Mexicana. Y al personaje interpretado por el fallecido actor y comediante, Roberto Gómez Bolaños.

Esta situación fue reflejada por el artista en su último álbum, titulado Cuando México era nuestro. El trabajo cuenta con un tema que lleva el mismo nombre, realizado en un corrido.

"Ni siquiera es una canción política. En Estados Unidos pensaban que hablaba de violencia, narcos y droga. Y la verdad es que no, porque fue antes que perdimos a México", explicó. 

En sus shows, antes de tocar la melodía, el artista realiza una introducción. Y le traslada a su público algunas inquietudes

"En mis presentaciones le pregunto a la gente: "El futuro de tu hijo vale una despensa, un bulto de cemento o una lata de pintura?". Porque eso es lo que te dan cuando vas a votar. Entonces somos cómplices de que ya no sea nuestro México", sentenció.


La portada de Cuando México era nuestro, el último material de Los Rehenes. El álbum contiene la una canción que lleva el mismo nombre y refleja la opinión de Javier Torres, vocalista del conjunto.


El vocalista conversó con Cumbia de la Pura durante una de sus últimas giras por la Argentina, donde actuó para la comunidad paraguaya. Entre varios asuntos, recordó sus inicios en la música. 

Los Rehenes nacieron en 1982, en la localidad de San José de Lourdes, municipio de Fresnillo, en el estado de Zacatecas. Sin embargo, recién conocieron el éxito a principios de la década del ´90.

"Nosotros iniciamos fuertemente en 1989, con una canción que era No existe el amor. A partir de ese disco tuvimos la oportunidad de llegar al público de nuestra provincia. En 1990 grabamos un cover que se llamó Vino tinto. Pero en 1991 fue cuando nació nuestro himno: Corazones rotos", recordó.

En efecto, es tanta la popularidad de su creación, que volvió a ser grabada en su último disco, con un sonido más actual. Incluso, fue relanzada a través de un videoclip oficial en las redes sociales.

No obstante, Torres recuerda las dificultades del comienzo

"Todas las agrupaciones tenemos tropiezos y dificultades. Fue difícil, duro, porque nada está a tu favor en el inicio. Solo tus padres y hermanos. Para empezar, ni siquiera tienes los conocimientos de lo que te espera. Tienes sueños que se basan en una fantasía", detalló al artista.


Javier Torres, líder de Los Rehenes de México, es un hombre preocupado por la realidad de México. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa que analiza Latinoamérica.


Por último, el vocalista se refirió a los pasos de baile que realiza en cada show. Un estilo de bailar que disminuyó luego de un siniestro, cuando chocó con su vehículo en 2004.

"Ahora me muevo en un 50 % debido al accidente. Todos tienen una forma expresiva de hacer su interpretación. Las letras hablan, pero el cuerpo tiene la necesidad de soltar su adrenalina", puntualizó.  

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La entrevista fue emitida al aire en la tarde del sábado 14 de mayo de 2016.

"ME PEGÓ BASTANTE EL FALLECIMIENTO DE EDWIN"

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Brenda Troccoli, esposa de Fabricio Cagnín, hijo de Gilda, lamentó la muerte de Edwin Manrique, uno de los músicos originales que actuó en la película No me arrepiento de este amor. La nuera de la vocalista llevó adelante la venta de una rifa, cuya recaudación será donada a la familia del intérprete.

#GildaLaPelícula


En conversación con Cumbia de la Pura, la entrevistada habló por ella y su marido. Ocurre que Cagnín nunca atendió a la prensa, luego de haber perdido a su hermana, su madre y su abuela en el trágico accidente de 1996.

Fabricio, que en esa época era un niño, tampoco se involucró mucho con los músicos que trabajaban con su madre. Y menos aún con los devotos o integrantes de clubes de fans.

Sin embargo, luego de dos décadas, accedió a que se realice una película sobre la vida de su mamá. Y el rodaje del film generó un acercamiento inédito. 

"Fue algo inminente que se presentó en nuestro camino. Muy sanador. Se dio en el momento justo y necesario, cuando Fabri tiene más edad para poder reencontrarse con todos estos sentimientos. Me imagino que no es fácil. Nunca voy a poder ponerme en su lugar. Yo soy su bastón emocional", graficó Troccoli.


Brenda Troccoli es la esposa de Fabricio Cagnín, el hijo de Gilda. "Soy su sostén emocional", se autodefinió.


Para la entrevistada, el largometraje significó un golpe emocional.

"Gilda es mi nuera, la abuela de mi hija y la mamá de mi marido. Era una necesidad de vivir el rodaje. Una oportunidad única para nuestra familia. Y no me la quería perder. Fue algo muy positivo", recalcó.

Y se mostró conforme con el modo de trabajar de la directora Lorena Muñoz.

"Estamos muy agradecidos con el respeto con que se hizo la película. Y por todo lo que pasó detrás de escena", apuntó.

La filmación provocó el reencuentro de los músicos Edwin Manrique, Manuel Vásquez y Danny de La Cruz, entre otros. Y el acercamiento hacia Brenda y su familia.

"Me fui encontrando con personas muy lindas. Con gente transparente y noble, que durante 20 años se mantuvo con un perfil muy bajo. Eso para nosotros fue muy importante, porque así decidieron mantenerse Fabricio y Raúl (NdR: En referencia a Raúl Cagnín, padre de Fabricio y ex marido de Gilda). Sentí que hablábamos el mismo idioma", expresó.


Una selfie durante un encuentro realizado en la casa de la directora Lorena Muñoz, luego del rodaje de la película Gilda, No me arrepiento de este amor. "Me fui encontrando con personas muy lindas, con gente transparente y noble", describió la entrevistada.


En consecuencia, la inesperada muerte del bongosero Manrique, víctima de cáncer, la sensibilizó. 

"Me pegó bastante el fallecimiento de Edwin. Para mí, él tenía una connotación especial, porque lo conocía de antes. Al resto de los músicos lo conocí durante el rodaje", detalló.

El intérprete fue afectado a los pocos días de haber finalizado su trabajo en el film. Y Brenda se acercó a su familia para colaborar en la lucha contra el mal que padecía.

"También conocí a su mujer, Laura. Y me sorprendió mucho el amor que había entre ellos; cómo lo cuidaba. Edwin ya se había enterado de su enfermedad. Entonces empecé a acompañarlos en este camino. Él estaba feliz de volver a vivir todo el ajetreo de estar en una banda conocida", reveló. 


Los premios que se sortearon en la rifa realizada a beneficio de la familia de Edwin Manrique. "Es una iniciativa mía y de los músicos", explicó Brenda Troccoli.


Como fruto de esta relación, Troccoli lideró la venta de una rifa, a beneficio de la familia del músico. Los números fueron expedidos hasta el último fin de semana, en el primer piso de la Galería N° 24 del Cementerio de la Chacarita, donde se encuentran los restos de Gilda, su hija Mariel y su mamá Tita.

Además de una tablet y una licuadora de mano, entre los premios, figuraron dos fotos inéditas del álbum familiar de la vocalista (cedidas por Brenda y Fabricio) y el libro de imágenes lanzado este año por la editorial Atlántida.

El sorteo se realizó el último lunes 19 de diciembre, a través de la Quiniela Nacional nocturna.

"Es una iniciativa mía y de los músicos. Siento que estamos ayudando a Lau. Esta rifa no le va a quitar el dolor ni devolver a su marido. Pero es importante que se pueda enfocar en sus dos hijos. Edwin era el sostén de la familia", sostuvo Brenda.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 26 de noviembre de 2016.

"GILDA PEDÍA QUE EL SONIDO SALGA PERFECTO"

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Ricardo Fuentes, quien trabajó como plomo junto a la vocalista, recordó el grado de compromiso de la cantante. "Era muy exigente arriba del escenario", confesó en el aire de Cumbia de la Pura, donde además habló de su participación en la película No me arrepiento de este amor.

#GildaLaPelícula



Fuentes comenzó a integrar el staff de Gilda en 1993, luego de su paso por Darío y su Grupo Angora. Un familiar político, el plomo Luis More, fue quien lo convocó a la nueva empresa.

"Yo trabajaba en el Clan Tropical. Y mi cuñado trabajaba con Gilda. Un día me dijo que faltaba gente para laburar. Así que fui a probar. Y justo se había ido el ayudante de sonido. Ahí arranqué", recordó.

El plomo repasó el sistema de trabajo que articulaba el conjunto.

"Cuando teníamos muchos bailes íbamos con dos equipos de sonido, intercalados, de un boliche a otro. Pero tardábamos cinco minutos en armar y desarmar. Por ejemplo, hemos hecho más de 40 bailes en todo el Norte, en un fin de semana, en época de carnavales", detalló.

Y explicó que, más allá del tamaño del boliche, el armado se hacía de la misma manera. 

"El riderpodía variar según el escenario. El equipo se bajaba completo. Pero después había que acomodarlo como sea. No se mezquinaba el sonido", observó.


En la película No me arrepiento de este amor, el plomo Ricardo Fuentes volvió a trabajar con sus viejos compañeros del staff de Gilda, como los músicos Manuel Vásquez, Danny De La Cruz y Edwin Manrique.


Ante la consulta de Cumbia de la Pura, sobre algún secreto para trasladar equipos, Fuentes fue contundente.

"La técnica era ponerle ganas. Había que ponerse la camiseta. Con Gilda nunca perdimos un baile: La Flaca tocaba con veinte personas, en el público, o con mil", enfatizó.

Además, recordó a la cantante como estricta y minuciosa. Una mujer que pretendía excelencia en sus espectáculos.

"Gilda pedía que el sonido saliera perfecto, como en el disco. A veces, La Flaca subía al micro después de hacer el show y nos decía: "No me gustó". Nos queríamos matar. Ella era muy exigente arriba del escenario. Había que estar a la altura del trabajo", destacó.

Incluso, el plomo consideró que Gilda era más rigurosa que el tecladista Juan Carlos Giménez, productor musical de la agrupación.

"Si algún músico cometía un error ella se lo reprochaba. Era más exigente que Toti. Él quizás se reía porque muchas veces también la ha pifiado, como todo músico", memoró.

En otro aspecto, Fuentes recordó el siniestro en que falleció la vocalista, del cual se cumplieron 20 años. Él viajaba dentro del mismo colectivo y resultó gravemente herido.

"El accidente fue como nacer de nuevo. Tengo dos fechas de cumpleaños: el 20 de junio, cuando nací; y el 7 de septiembre, el día en que volví a nacer".


Ricardo Fuentes conoció a Natalia Oreiro y la consideró la actriz indicada para interpretar a Gilda en la ficción. "Es igual de sencilla", dijo.


Por último, se refirió a su participación en la película No me arrepiento de este amor, donde actuó de sí mismo. Y valoró el aspecto emocional del largometraje.

"La película tiene distintos tipos de amor. El del marido de Gilda hacia ella. El de ella hacia sus hijos y su madre. Y el que le puso a su ilusión y ganas de crecer", analizó.

Fuentes destacó la elección de la actriz Natalia Oreiro para interpretar a la vocalista en la ficción.

"Cuando la conocí a Natalia, me di cuenta que era la indicada para hacer de Gilda. Me hizo acordar mucho a su forma de ser. A cuando Gilda era Miryam y estábamos en el micro jugando a las cartas o tomando mate. Era igual de sencilla", comparó.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 22 de octubre de 2016.

"ME EMOCIONA QUE ME RECONOZCAN POR MI NOMBRE"

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El vocalista Juan José Piedrabuena mostró su felicidad por la aceptación que tuvo durante 2016, en calidad de solista, con su nombre y apellido. Sus declaraciones fueron efectuadas durante la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina, realizada en noviembre, en la ciudad de Santa Fe.




En conversación con Cumbia de la Pura, el artista demostró su alegría. Y recordó algunas desgracias familiares. 

"Que me reconozcan con mi nombre y apellido me emociona mucho. Hemos pasado muchas cosas malas con mi hermano. Desde muy chiquitos, la vida nos castigó duro. Hemos perdido a mamá cuando teníamos cuatro años. Y a papá le explotó una bomba; perdió la vida y una mano", lamentó.

Juanjo Piedrabuena adoptó un perfil de cantante latinoamericano, con aires de salsa y música melódica. Y vivió un fuerte ascenso en su carrera, desde el lanzamiento en 2015 de su último disco, titulado Libre. 

"Hemos trabajado a conciencia y elegido bien los temas. Ahora estoy terminando de grabar mi tercera placa. Será un disco doble", adelantó.


La portada del último disco de Juan José Piedrabuena, titulado Libre. "Hemos elegido bien los temas", consideró.


El artista aseguró que se inspira en diferentes vocalistas reconocidos a nivel mundial.   

"Soy una persona que le gusta aprender y superarse día a día. Me siento identificado con un gran artista y cantante como es Abel Pintos. También un Marc Anthony o una Isabel Pantoja. Incluso con Juan Gabriel. Son personas que da gusto escucharlas. Yo aprendo de la técnica vocal que tienen", expresó.

Y confesó que jamás tomó clases de canto. No posee instrucción académica.

"No tengo estudio. Todo lo que aprendí fue de oído. Lo que hago en el escenario me sale de adentro", graficó.


Un instante en el show de Juanjo Piedrabuena, durante la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina. Su espectáculo se produjo el viernes 4 de noviembre de 2016.


Piedrabuena había comenzado su carrera como cantante del Grupo Alegría de Osvaldo Raggio. Allí estuvo casi seis años, hasta que fue desafectado del conjunto.

"Fueron cosas que surgieron en el camino. Por razones que hasta el día de hoy no entiendo, quedé afuera del grupo. Pero igual le agradezco muchísimo a Osvaldo por la oportunidad que me dio de estar al frente de la banda", dijo.

Luego, tuvo su explosión como vocalista de La Borrachita, donde también se alejó por motivos personales.

"Me pasó lo mismo. Creo que no me tomaron en cuenta como persona", apuntó.

Y aseguró que esos conflictos le marcaron sus acciones como líder de su agrupación. 

"De todo lo que me pasó, aprendí cosas buenas. Hoy cuido a cada uno de mis músicos. También a los chicos que me arman el escenario", afirmó.


Juanjo Piedrabuena es un artista que se emociona al observar el reconocimiento del público. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa conmovedor.


Por último, se refirió a su convocatoria para actuar en la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina. El artista realizó su show en la noche de apertura, realizada el viernes 4 de noviembre.

"Es un inmenso placer y un orgullo defender la cumbia santafesina. Hace muchos años que luchamos para que se la tome como un segmento cultural. Hoy fue algo grandioso", calificó.

Y reconoció la sorpresa que le causó haber sido seleccionado para formar parte del festival.

"Sinceramente, con una mano en el corazón, ni me esperaba estar acá. Hago lo mismo que todos. Salgo a laburar y ganarme el mango, para poder sustentar a mi familia. Estoy emocionado con que me hayan convocado", finalizó.

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La entrevista fue realizada en la noche del viernes 4 de noviembre de 2016 y emitida al aire en la tarde del sábado 12 del mismo mes y año.

"ESTO TIENE QUE QUEDAR EN MANOS DE LOS CUMBIANTEROS"

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La Ministra de Cultura de la Provincia de Santa Fe, María de los Ángeles "Chiqui" González, consideró que los músicos deben hacerse responsables de las próximas ediciones de la Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina. Sus dichos fueron registrados durante la primera versión, realizada en noviembre, en la ciudad Capital.



Desde hace años, un gran número de artistas reclama la organización de un mega evento tropical, al estilo de los clásicos festivales provinciales. Un espacio donde la mayoría de los conjuntos de la ciudad tengan su lugar para actuar.

Uno de ellos fue Julio Maidana, líder de Los Tekilas, en una entrevista con Cumbia de la Pura en 2014.

En consecuencia, al inicio de 2016, González anunció que el Gobierno de la Provincia realizaría el espectáculo. Y que así lo había ordenado el mandatario socialista, Miguel Lifschitz.

"Lo dijimos en febrero y aquí estamos, en noviembre. Acá se está viviendo un evento donde hay niños, jóvenes, viejos, donde cada uno tiene su lugar. Hay muchísimos grupos; los que empiezan ahora, los más renombrados y también los patriarcas, los legendarios, que fundaron este lugar de la cumbia", proclamó González.


La Ministra de Cultura de la Provincia de Santa Fe, María de los Ángeles González, conversó con Cumbia de la Pura en el sector de prensa de la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina.


En medio de la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina, la funcionaria conversó con Cumbia de la Pura en el sector destinado a la prensa. Y explicó los motivos por los cuales no se realizaba un evento de estas características.

"Había una resistencia porque estaba dividida la opinión. A la hora de la fiesta de casamiento de la chica con más dinero, querían un grupo de cumbia. Lo veían como un momento de alegría y fiesta, pero no lo reconocían verdaderamente como a un género musical", opinó.

Y apuntó, además, al pudor de los gobernantes anteriores.

"También estaba el riesgo de las autoridades de parecer demagógicas; que digan: "Esto es puro populismo". Hacer la fiesta de la cumbia para tener contenta a la gente. Yo jamás he tenido gestos demagógicos. No lo comparto en lo más mínimo. El Gobierno entero se metió en esto porque realmente está tocando la identidad de los santafesinos", expresó. 


La Ministra González subió al escenario a entregar una plaqueta en medio del show del Grupo Alegría. "Esto tiene que quedar en manos de los cumbianteros", opina.


Sin embargo, pese a autoproclamar el rédito institucional, González observó el futuro del festival. Y según su apreciación, el evento debe mantenerse por fuera de cualquier bandera política.

"Esto tiene que quedar en manos de una gran comisión de los cumbianteros. No lo puede tomar y cooptar un Gobierno. Porque ha aumentado la pobreza, la gente tiene más problemas y su reacción es la cumbia. Siempre fue el lugar para meter el desencanto los sábados y domingos. Para meter la furia y hacerla vida y relación con el otro", sentenció. 

Escuchá acá la nota completa:



La entrevista fue realizada en la noche del viernes 4 de noviembre de 2016 y emitida al aire en la tarde del sábado 12 del mismo mes y año.

"LA VIOLA ES LA VERDADERA CUMBIA DE SANTA FE"

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Carlos Cuppiste, líder de Los del Maranaho, destacó el valor de las canciones realizadas con guitarra. Su conjunto fue unos de los pocos representantes del género, durante la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina, realizada en noviembre, en la ciudad Capital.




Ocurre que actuaron unas 30 bandas de la movida tropical, durante el evento organizado en el Hipódromo de Las Flores. Y todas representaron estilos y épocas distintas. Pero la mayoría se identificó con el sonido del acordeón

Hubo solo dos representantes de la cumbia con viola: Yuli y Los Girasoles y Los del Maranaho. Mientras que Juan Carlos Denis y su Bohío, creador del género, no formó parte de la grilla del festival.

Al respecto, Cumbia de la Pura abordó a Cuppiste al término de su show. Y, erróneamente, le informó que era el único representante con guitarra. En consecuencia, la respuesta del vocalista fue tajante.

"No lo sabía. Esto es un homenaje a Santa Fe. Son arreglos de cada uno", opinó.

Sin embargo, pese a desentenderse del armado de la grilla, el artista valoró la figura del creador de su estilo.

"La verdadera cumbia es la que inventó Juan Carlos Denis y Los del Bohío", sentenció.


Algunos momentos de la actuación de Los del Maranaho en la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina. "Me invitaron y estoy muy contento", expresó el vocalista Carlos Cuppiste.


Para Cuppiste, fue un orgullo haber formado parte de la primera Fiesta Nacional de la Cumbia Santafesina.

"Me invitaron y estoy muy contento. Hemos tocado en canchas de fútbol de Buenos Aires. Pero es la primera vez con tanta gente de Santa Fe. Todos los músicos estamos muy emocionados por el cariño de la gente", describió.

Los del Maranaho nacieron en 1989, en la zona sur del conurbano bonaerense. La banda fue producida por el El Clan Tropical, propiedad del polémico empresario José "Cholo" Olaya. 

"Estoy muy agradecido con la gente de Buenos Aires, por el cariño en estos 27 años", expresó.


Carlos Cuppiste, vocalista de Los del Maranaho, es un artista que valora los acordes de la cumbia con guitarra, un estilo para escuchar. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa de buenos oyentes.


Por último, Cuppiste se refirió a la pérdida de nuevos representantes de la cumbia con guitarra. Y ensayó los motivos que explican la caída.

"La viola es la verdadera cumbia de Santa Fe. Pero en este momento no gusta mucho. La gente quiere bailar. Y el acordeón es muy bailable. La guitarra es para escuchar, tiene más sentimiento. Por eso la gente en esta época se vuelca al acordeón o el teclado", analizó.

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La entrevista fue realizada en la noche del sábado 5 de noviembre de 2016 y emitida al aire en la tarde del sábado 12 del mismo mes y año.

"LA GENTE CONSUME MÚSICA E IMAGEN"

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Javier Orlando Torres Ruiz Díaz, más conocido como Javito, líder del Grupo Red, analizó la influencia de las redes sociales en la movida tropical. "Esto es audiovisión. Hay que estar preparado", expresó en una charla con Cumbia de la Pura.





"La gente nos consume con la música, pero también con la imagen. Hay que estar preparado. Es un marketing bastante amplio. Hoy en día, como dueño del producto, me fijo en todos los detalles. Es más complicado", opinó.

"Está muy de moda en las redes sociales la transmisión directa. Lo que no hacen la mayoría de los artistas es mostrar lo cotidiano. Nosotros tratamos de mostrar lo que la gente no sabe", agregó.

Su interés responde a que, desde hace un tiempo, Javitose desempeña como vocalista y líder de empresa

"Es la primera vez que veo todo desde otro punto. Primero fui baterista, después cantante. Y ahora también soy productor. Son distintas las cosas como empleado y como patrón. Aunque uno no cambia la personalidad", sentenció.

Sin embargo, dejó en claro en cual puesto se siente más cómodo.

"Lo que más disfruto es cantar", afirmó.


Javito Torres apuesta a la música y a la imagen en las redes sociales. Un ejemplo es esta toma realizada en medio de un show en Mágico de Liniers.


En otro aspecto, el cantante se refirió a las fiestas de aniversario del conjunto, que se organizan en cada 1° de mayo. En efecto, este año, Red cumplirá 20y lo celebrará en el Teatro Astros

"En 2013, cuando hicimos los 16 años de Red, fue una prueba piloto. Y nos fue bastante bien. Quedamos asombrados; no esperábamos que fuera tanta gente. Hoy en día el público espera el aniversario para festejarlo al máximo y escuchar todos los temas", contó.

Además, explicó el motivo por el que incorporó trompetas en algunos de sus espectáculos. Un instrumento que nunca se agregó de manera estable.

"Fue algo improvisado. Quería ver cómo quedaban. Y la verdad que muy bien. Las voy a poner en algunas presentaciones importantes, como en un teatro. Pero no las veo fijas para los shows, porque el grupo ya tiene el clásico registro del teclado", dictaminó.

Por otra parte, describió las dificultades que implica editar un nuevo trabajo discográfico.

"Para un artista, grabar un disco es tirarlo a la basura. Uno hace un material y están buenos los temas, pero la gente no los acepta. Uno se cansa de hacer materiales que no dan resultado. Yo sigo laburando con los primeros, como si fuera ayer. Me da mucha pena grabar canciones y que no sean difundidas", confesó.


Red For Ever es el nombre que llevará la nueva placa del conjunto que lidera Javito Torres. "Me la jugué con este material", expresó.


Sin embargo, habló sobre su próximo trabajo, que se titulará Red for Ever. Aunque no hay una fecha de lanzamiento pactada, se dieron a conocer algunas canciones registradas a dúo con Daniel Agostini, Tony Angel, Miguel D´Anibale (Amar Azul) y Ariel Puchetta (La Otra Dimensión).

"Yo me la jugué con este material. Lo hice con el gusto de imponer grupos que me gustaron y les va muy bien, tienen su chapa y no necesitan mucha difusión", comentó.

Javito aclaró que la elección de cantantes identificados con la década del ´90, no le impide acercarse a otros ritmos tropicales

"Hay artistas que no tienen que ver con la cumbia clásica, como Néstor en Bloque o Pablito Lescano, que si Dios quiere, voy a imponer en otro material. Esta bueno tener la mejor con todos; que la gente se de cuenta que no hay mala onda con nadie y que todos laburamos de lo mismo", contó.


Javito Torres, líder del Grupo Red, es un cantante que apuesta a las redes sociales y las nuevas canciones. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa repleto de desafíos.


No obstante, tomó su distancia con la cumbia villera.

"Yo creo que no se siguen escuchando esas canciones. Porque, por cómo esta el país, se armaría una revolución. Creo que funcionaron en su momento, cuando pasó lo de De La Rúa. Ahí funcionó la polémica en la cumbia villera", opinó. 

Por último, tomó una posición inédita en la movida tropical: la defensa de la cumbia pop o cheta.

"Márama, Rombai y Agapornis dieron el punto exacto para que los grupos sigamos laburando. Muchos los critican, pero impusieron otra vez las letras románticas. Estamos todos laburando, contentos", esbozó.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 20 de agosto de 2016.

"EL PROBLEMA DE WALTER ROMERO ERA LA DEPRESIÓN"

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Marcelo Arbillaga es un locutor y animador de la ciudad de Río Cuarto que conoció al cuartetero desde sus comienzos. Y reveló el principal conflicto del vocalista, que hace menos de un mes, acabó con su propia vida. "Tenía ataques de pánico", observó, en conversación con Cumbia de la Pura, a los pocos días de la tragedia.



Arbillaga se refiere al suceso que sacudió a la movida tropical: el suicidio de Walter Romero. El vocalista fue encontrado sin vida, en la noche del sábado 8 de abril. Se había ahorcado en el baño de su propio hogar, ubicado en el Barrio Fénix de la ciudad de Río Cuarto, provincia de Córdoba.

Unas horas antes había realizado un posteo en las redes sociales. El artista subió una selfie en la que aparece encapuchado, con sus dedos en símbolo de Fuck You hacia la cámara. Y una frase que anticipaba el final: "Dejar de respirar de una vez creo que sería lo mejor… Perdón mi señor Jesús, Cristo, Dios Padre: espero me sepan entender", publicó.


El posteo que Walter Romero realizó en las redes sociales, antes de acabar con su vida. "Espero me sepan entender", deslizó.


Al respecto, el locutor Arbillaga se animó a aventurarse en los motivos del suicidio. Y reveló que el conflicto venía de varios años atrás.

"Cuando Walter dejó Banda XXI ya empezaba a mostrar problemas de salud. Su problema de base era la depresión. Empezaba a cantar y en un momento se congelaba; tenía ataques de pánico. Esto dista mucho de la buena voluntad o el estado de ánimo. Era una enfermedad seria y grave", sentenció.

"Él era consciente de su condición y lo ha manifestado en las redes sociales. Yo tengo la sensación de que nadie lo pudo ayudar", opinó.

"Había tenido muchos intentos previos; dio muchas señales", apuntó.

"En estos últimos meses había tenido una pérdida muy grande: su madre. Esto de alguna manera marcó un hito. Me da la sensación de que fue demasiado", lamentó.


Una estampa del Walter Romero al que muchos conocieron en la ciudad de Río Cuarto. "Un tipo único e irreemplazable. Tenía el don de conmover", lo definió el locutor Marcelo Arbillaga.


Arbillaga es locutor de la radio LV16 de Río Cuarto, donde conduce las tardes de la AM 1010 en su propio programa, titulado La vuelta del perro. Pero además co-conduce el ciclo Rockeados, que se emite por el aire de la FM 93.9, Ranquel Stereo.

El hombre de radio había conocido a Romero en sus comienzos en la música, durante la década del ´90. En esa época, Arbillaga animaba los jueves en Square Café, una confitería del centro de la ciudad.

"Venían algunos coiffeurs, un músico en vivo que tocaba el teclado y algunas modelos. Yo le ponía mucha energía entre animación y sorteos", recordó.

Hasta que una noche se presentó el vocalista, quien realizó su debut informal en el mundo del cuarteto. 

"En uno de esos jueves apareció por primera vez un chico que tenía unos 17 años. Era muy educado, muy piola. Nos pidió cantar un tema", memoró.

Y resaltó una historia muy divertida.

"Empezó a cantar algunos éxitos de Miguel Alejandro. Y bailaba muy bien. Pero en un momento, entre la emoción y los nervios, hizo un paso y le pegó un cabezazo al micrófono. Todos nos reímos y él también. No me olvidé jamás de esa anécdota. Fue el inicio de su vida artística", evocó.

De a poco, Romero comenzó a instalarse en las noches de Square Café. Y a ganarse un lugar en la música de Río Cuarto. 

"Venía regularmente. Hasta que lo convocó Jorge "El Perro" Maidana, un extecladista de Pocho La Pantera que había formado su propia banda: Gelatina. Y fue un éxito absoluto", remarcó Arbillaga.


Pablo Luna, Walter Romero y Luis Castro conformaron una de las formaciones más exitosas de la Banda XXI.


Allí Romero dio sus primeros pasos como cantante profesional. Esa exposición generó que luego fuera convocado para transformarse en uno de los primeros vocalistas de Banda XXI, en 1999.

"Tuve la suerte de presentar el primer show, frente a la Catedral de Río Cuarto, en un escenario montado sobre calle Constitución", conmemoró el locutor.

Hace algunos días, luego de la tragedia, Arbillaga realizó un homenaje a Walter en su propio programa. En su memoria, leyó un texto al que tituló El pibe ruludo con ojos de mar.

"Me impactó. Era muy espontáneo y natural. Me llamó la atención la profundidad de su mirada. Un tipo único e irreemplazable. Tenía el don de conmover", lo definió el locutor.

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La entrevista fue realizada en vivo en la tarde del sábado 15 de abril de 2017.

"LA GENTE LLEVA LA CACHACA EN LA SANGRE"

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Ramón Alejandro Benítez, vocalista de Refugio de Amor, del Paraguay, valoró al público que consume su música. "Para el pueblo y la gente humilde es un sentimiento", expresó en conversación con Cumbia de la Pura, durante una visita a Ciudad del Este.




Su historia comenzó en 1999, en la ciudad de La Plata, Argentina, donde Benítez se había instalado "en búsqueda de oportunidades laborales", según lo definió.

"Me recibí de zapatero y trabajé en una fábrica de calzado. Había aprendido la profesión en Encarnación, Paraguay. Vengo de gente humilde, sencilla", afirmó.

Sin embargo, pese al esfuerzo y la rutina, nunca renunció a sus inquietudes artísticas.

"Mi sueño paralelo siempre fue grabar un disco y seguir mi carrera musical", observó.

En consecuencia, Ramón Alejandro formó Refugio de Amor. Y al año siguiente, comenzó a actuar en los espacios de la comunidad paraguaya.

"Arrancamos haciendo covers y recorrimos los bailes del Gran Buenos Aires. En 2000 empezamos a grabar el primer disco: Estoy enamorado. Ahí la gente comenzó a conocer nuestra música", recordó.

Cumbia de la Pura realizó una gira por el Paraguay, en febrero del corriente año. Y conversó con Benítez en Ciudad del Este, a pocos metros del Lago de la República. 


Ramón Alejandro Benítez, vocalista de Refugio de Amor, es un artista que apunta al pueblo y la gente humilde. Por eso, desde Ciudad del Este, posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa popular.


Durante la charla, el artista opinó que "la gente lleva la cachaca en la sangre", pese a la resistencia de algunas personas. 

"En Ciudad del Este, por ejemplo, había algunos que decían: "La cachaca se acabó". Yo creo que no. Ingresaron muchos estilos de música, pero para el pueblo y la gente humilde es un sentimiento", sentenció.




En tierra guaraní, la cachaca se caracteriza por la ausencia del acordeón. Un instrumento muy presente en la zona límite con Argentina y Brasil.

"Acá en la frontera se consume mucho el sertanejo. Pero el cachaquero no cambia su estilo. Es de pura cepa. Si le cambias un poco el ritmo de la percusión, deja de gustarle. Por eso soy celoso con mi estilo", se autodefinió.

Benítez se encuentra en la etapa de promoción de su último disco, titulado Tanto te busqué. El material es el décimo en su trayectoria y fue lanzado por el sello Sapukai Musical Pyahu.


Refugio de Amor promociona su último disco, titulado Tanto te busqué. Es el décimo trabajo en la historia del conjunto cachaquero.


En otro aspecto, Ramón Alejandro se refirió al auge de los grupos de cumbia de Paraguay, un furor impulsado por productores y dueños de medios de comunicación. Y en sintonía con El Angel Antonio, fue crítico con el movimiento.

"Es un producto nacional y los dueños son empresarios que tienen radios y son famosos en la televisión. Entonces les dan difusión y promoción a los grupos. Pero que no se copien uno del otro. En la cumbia se copian mucho de la Argentina. Hay que decir la verdad"", argumentó.

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La entrevista fue realizada en febrero de 2017 y emitida al aire en la tarde del sábado 22 de abril del mismo año.

"HACEMOS TODO DE MANERA INDEPENDIENTE"

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Juan Carlos "Caito" Denis, vocalista del Bohío que lidera su padre, Juan Carlos Denis, organizó con su familia una producción autogestiva. "Es la única forma de que resulte rentable la cumbia con guitarra", explicó en conversación con Cumbia de la Pura.





El cantante describió cada uno de los movimientos del conjunto. Y resaltó la autonomía en cada una de las decisiones.

"Hicimos una cosa utópica en estos tiempos. Pero es la única forma de que resulte rentable la cumbia con guitarra. Y es hacer todo de manera independiente. Los discos los producimos y los distribuimos nosotros. La venta de Bohío la hacemos nosotros también. Hasta organizar un show en un teatro y repartir las entradas", expresó.

El método contrasta con la situación de muchísimos conjuntos, que se apoyan en managers, representantes, productoras y discográficas. Según Caito, "hay dos caminos" para trabajar.

"O el artista se queda encerrado y terceriza la gestión. O elige como nosotros. El beneficio es que la ganancia es 100 % de la familia. No hay nadie que se meta. Yo preferí sacrificar sueño y salud. Y no tener que lidiar con una tercera opinión", opinó.




Con estas pautas, en abril, Bohío celebró sus 40 años de trayectoria en el teatro 1º de Mayo de la ciudad de Santa Fe. Fue la primera vez que el conjunto tocó en un espacio de estas características.

A tal fin, la familia Denis se encargó de la organización y difusión del evento. Pero también de la venta y reparto de las entradas.

"Hicimos una especie de ticketeck familiar", lo definió el vocalista.

Para Caito, esta modalidad de trabajo genera una empatía muy fuerte con el público.

"Nos dio una cercanía con la gente que nunca tuvimos. Eso hace que el artista baje de su Olimpo y la gente responda en consecuencia", observó.

Y aseveró que estas decisiones fueron tomadas exclusivamente por su padre, el histórico violero que creó la cumbia con guitarra en la década del ´70.

"Todo esto nace de mi viejo. Hace algunos años que no quiere a nadie más que a nosotros en el grupo. Fijate que en el evento no hubo ex músicos invitados. Juan Carlos Denis no quiso que vaya ningún bajista o cantante. Después de 40 años, creo que mi viejo merece ser el protagonista", enfatizó.


Un momento en el escenario del teatro 1º de Mayo, donde Bohío celebró sus 40 años de trayectoria. "Creo que mi viejo merece ser el protagonista", expresó Caito, en referencia a su padre, Juan Carlos Denis, histórico violero santafesino.


El espectáculo se desarrolló con un teatro colmado de espectadores, tal como se puede observar en la exclusiva cobertura que realizó Cumbia de la Pura. Fueron 850 fanáticos los que acudieron al recinto. Una cifra que superó muchas expectativas.

"Nosotros calculábamos unos 300 personas, entre parientes, gente de Santa Fe y Buenos Aires que nunca falla. Con ese número nos arrojamos adelante. Porque esa es la cantidad que están metiendo nuestros colegas en los teatros", puntualizó Caito.

"Y cuando llegó el día del show, el dueño tuvo que firmar una excepción para que se abra El Paraíso. Es la cuarta bandeja, que habitualmente no se abre, donde entran 50 personas. Así cubrimos la totalidad de la capacidad histórica del teatro", prosiguió.


Juan Carlos "Caito" Denis promueve, junto a su familia, una cultura tropical independiente. Por eso posa con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa soberano.  


El éxito generó un llamado de atención para varios empresarios del ambiente tropical. Los productores se comunicaron enseguida con la familia Denis y le ofrecieran hacer shows en teatros de Rafaela, Rosario y Buenos Aires. Sin embargo, fiel a sus ideales, el vocalista desechó la idea.

"El lunes posterior al show recibí cinco propuestas distintas, ante las cuales, con nuestro hilo de coherencia, les dije que no rotundamente. No me interesa hacer un teatro que no sea producido por mí. La próxima Misa Bohemia puede ser que la organice yo mismo en octubre o diciembre", sentenció.

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La cobertura fue realizada en la tarde del domingo 23 de abril de 2017, mientras que la entrevista fue realizada en vivo el sábado 29 del mismo mes y año.

"LA VIDA SE ME PASÓ VOLANDO"

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Javito Torres, líder del Grupo Red, hizo un repaso de su trayectoria. "No es el final, sino el principio de algo que había imaginado de chico", expresó en conversación con Cumbia de la Pura, desde el camarín del teatro Astros, donde celebró los 20 años de su agrupación.




El artista se tomó el tiempo para recordar sus inicios en la música.

"Una de las cosas que me pasaba cuando arranqué, tocando la batería a los 8 años, es que me imaginaba el mundo del artista", afirmó.

Se refiere a sus comienzos como músico del Grupo Green, el conjunto que aún lidera su hermano, "El Chelo" Torres. Allí Javito se desempeñó como percusionista, desde la década del ´80, hasta fines de los años ´90, cuando se transformó en vocalista de Red.

"Mi carrera no quedaba solamente en la batería, sino que tenía que cantar", señaló.


Un momento en el teatro Astros, donde Javito Torres cantó junto a su hermano Chelo, líder de Green, el conjunto donde tuvo su primera oportunidad. "Tuve que reemplazarlo en una gira", recordó el vocalista. 


Su primera oportunidad surgió cuando formaba parte de La Onda Verde y Chelo sufrió un problema en las cuerdas vocales.

"Tuve que reemplazar a mi hermano porque sino se iba a levantar una gira muy importante de Green, donde había un contrato firmado. Fue algo loco, porque me dieron el micrófono y no sabía el total de las letras. Entonces improvisé", memoró.

"A la gente le gustó. Cuando vieron a Javito, cantando, dijeron: "Es un Green nuevo", exclamó.

La aventura generó muy buena repercusión. Y hubo voces que lo reclamaron como cantante.   

"Mi hermano estaba operado de la garganta y no podía hablar. Pero lo volvieron loco. "Hacele un grupo a Javito", le decían", según contó.


Javito Torres celebró los 20 años del Grupo Red y reflexionó sobre su carrera artística. Por eso posó con la bandera de Cumbia de la Pura, un programa inspirador.


Ese fue el comienzo de El Color de tu Corazón.

"Me hizo el grupo en seis meses y me dijo: "Vamos a ponerle Red". Yo, ignorante, no sabía que significaba", confesó Javito.

Y reveló que su intención de ser solista tenía un trasfondo artístico.

"Yo quería despegar de mi hermano para darme la posibilidad de bailar, porque en Green quedaba fuera de órbita. Y cuando fue el lanzamiento de Red, automáticamente, tuvimos 7 bailes en ese fin de semana", observó.



Sus pasos y coreografías se tranformaron en una marca registrada. Para ello, Javito se inspiró en conjuntos extranjeros, de otros géneros musicales.

"Lo tomé de artistas de afuera. Me gustaban Bon Jovi, Los Guns 'N' Roses, NSYNC, Los Backstreet Boys y Kiss. Esas cosas locas las fui ingertando para nuestra movida. Y eso es lo que dio resultado", concluyó.

Para el músico, su renombre se sostuvo en varios aspectos.

"Se disparó el éxito de Red porque le busqué el mechoncito rojo a los chicos. También la ropa. En esa época, estaban de moda los chupines. Y yo puse pantalones anchos. Fue algo muy loco. La gente lo consumió al toque", declaró. 

"Red marcó muchas cosas en la movida tropical. Fue una moda nueva para la gente, que se ponía la vinchita o el llaverito que venía con el compact", justificó.

La charla ocurrió en el camarín del teatro Astros, en la Ciudad de Buenos Aires, donde Javito celebró las dos décadas de su conjunto. Un espectáculo que contó con la cobertura de Cumbia de la Pura y que se tituló Red 20 Años - La Vida.


Javito organizó junto a su novia, Daiana, el espectáculo en el que Red celebró 20 años de vida. "Elegí una pareja de oro que me da fuerzas y energía", dijo el artista.


El show fue producido de manera independiente por el cantante y su novia, Daiana, con quien espera un hijo.

"Elegí una pareja de oro que me da fuerzas y energía; tiramos para adelante los dos juntos. Es lo que necesitaba. Es mi compañía y mi otro pilar. Cuando nos pusimos de novio se me dieron un montón de cosas. Fue ella quien me dijo: Porque no le pones La Vida?", manifestó.

Para El Pétalo Rojo, este 2017, es un año de reflexiones. 

"Ahora que voy a cumplir 40 años, el próximo 6 de octubre, me doy cuenta que la vida se me pasó volando. Pero no es el final, sino el principio de algo que había imaginado de chico", puntualizó.  

Escuchá la nota completa acá:



La entrevista y cobertura fueron realizadas en la noche del 1º de mayo de 2017, mientras que la charla fue emitida al aire en la tarde del sábado 6 del mismo mes y año.

"NACHO LLEVABA EL CUARTETO EN EL CORAZÓN"

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El año pasado, Matías Gómez, ex integrante de Condena, recordó a su amigo, el vocalista Ignacio Asensio, quien había fallecido de manera inesperada. "Era muy pasional", expresó en conversación con Cumbia de la Pura.





Asensio y Gómez se hicieron amigos en el Instituto San Roque, en el barrio porteño de Villa Ortúzar. Pese a que había tres años de diferencia entre ellos, tenían amigos en común.

"Salíamos los fines de semana y jugábamos al metegol en la esquina del colegio", recordó.

Por esos años, Gómez aprendió a tocar el bajo. Y fue convocado por Asensio para integrar su agrupación: el Cuarteto Condena. Allí comenzó a tocar la tambora.

"Siempre me gustó la música y escuchaba cumbia. Hasta que Nacho me invitó a sumarme a la banda. Ahí me metí de lleno en el cuarteto. Me transmitió el sentimiento", puntualizó.


Un recuerdo del año 2009, cuando Condena actuó en el Paseo La Plaza, en pleno centro porteño, junto a Piolavago. Tanto Matías como Nacho posaron de forma individual para la cámara de Cumbia de la Pura.


Ocurre que el vocalista era un fanático del tunga tunga. Y se sentía identificado con el estilo característico.

"Se enamoró de Cachumba y La Mona Jiménez. Era muy pasional y lo llevaba en el corazón", argumentó Gómez.

En Buenos Aires, el cuarteto no posee la misma cantidad de seguidores que tiene la cumbia. Por eso las bandas porteñas son muy pocas y el circuito es under.

"Siempre fue dura la lucha. Íbamos los dos, mano a mano, a golpear puertas. A ver dónde podíamos tocar, vender entradas o juntar músicos. Nunca fue una tarea fácil", observó el percusionista.

Sin embargo, Gómez y Asensio nunca bajaron los brazos. Y lograron que los reciban en una de las discográficas más importantes de la movida tropical. 

"Así llegamos al contacto con Magenta. Llamábamos todas las semanas; pedíamos una reunión. Fue una lucha ardua. Pero finalmente nos editaron el disco. Estábamos chochos de la vida", valoró.

Se refiere al material que lanzaron en 2010, el cual fue titulado Una cosa de locos. Fue el único disco en la historia de Condena, con todas las canciones compuestas por su vocalista.


La tapa del único disco editado por Ignacio Asensio y Matías Gómez, al frente de Condena. La discográfica Magenta editó Una cosa de locos en 2010.


No obstante, su ambición no finalizó con la edición del trabajo. Sino que buscaron armar su espectáculo en uno de los bailes de la empresa.

"Quisimos actuar en vivo en Fantástico. Y nos dieron el espacio. Fue como tocar el cielo con las manos. Esa noche movimos gente por todos lados. Hasta sacamos un micro desde el barrio. Fue el mejor día de la banda", se entusiasmó.

Más adelante, Gómez renunció a Condena para armar su propio conjunto, La Rockola Group, lo cual significó un cortocircuito con su compañero.   

"Sentía que había cumplido un ciclo. Yo siempre había tenido la espina de hacer una banda de cumbia. Al principio costó asimilarlo. A Nacho le molestó un poco. Pero no fue algo que quebró nuestra amistad. Seguimos la relación", relató.


Algunas imágenes de una fiesta realizada por Cumbia de la Pura en 2011, la cual contó con el show de Condena. Arriba, en el medio, se lo puede a ver a Gómez abrazado a Asensio. Abajo, Nacho hace delirar a su público cuartetero.


En efecto, continuaron jugando al fútbol en el equipo de Villa Ortúzar, donde competían en un torneo de cancha de once. "Nacho jugaba de nueve", resaltó el músico.

El fallecimiento de Asensio se produjo el lunes 6 de junio del año pasado, cuando fue hallado sin vida en su casa, a causa de un paro cardiovascular

El vocalista, que tenía 31 años, había cenado tres días antes junto a sus compañeros de equipo. 

"El viernes anterior fue el último partido y lo ganamos en el último minuto. Estábamos re contentos y dijimos: "Vamos a comer un asado". Nos fuimos a una parrilla a la una de la madrugada. Nacho se retiró goleador y con el equipo en la punta", memoró Gómez.

En su homenaje, los pibes hicieron una bandera con fotos de su amigo y una frase dicha al revés, tal como solía hablar el artista. El trapo reza: "Presiem tojun al cuore", lo que significa Siempre junto al corazón.

Este modo de expresarse, tan característico de Asensio, provocaba las bromas de sus amigos.

"A veces le decía: "Cabezón, hablá bien porque no te entiendo nada". Tenía que descifrarlo", se rió Gómez.


Luego de la muerte de Nacho Asensio, sus amigos hicieron esta bandera con la leyenda: "Presiem tojun al cuore". Un homenaje al particular modo de hablar del cantante.


A los pocos días, sus músicos, junto a los integrantes del grupo La Ku-cha, se reunieron en un local del barrio porteño de Colegiales para brindar un show de despedida. Cumbia de la Pura fue el único medio que se acercó a cubrir el evento, donde acudieron familiares, amigos y fanáticos de Condena.

"Fue muy fuerte. Ya se sentía desde el ensayo. El hecho de que sonara el acordeón y no se escuchara su voz fue un golpe bajísimo. Pero a la vez fue lindo ver a toda la gente que lo quería. Terminaron todos bailando, a pesar de la situación", concluyó.

Antes de morir, Asensio había grabado algunas canciones, las cuales formarían parte de su segundo material. Una de ellas había sido dedicada a Diego Maradona.

"La idea es seguir difundiendo sus temas. Hacer llegar su música a todos lados", sentenció Gómez.

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La cobertura fue realizada en la noche del lunes 4 de julio de 2016, mientras que la entrevista se desarrolló en la tarde del sábado 9 del mismo mes y año.
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